Music

假如閣下是對音樂不求甚解的發燒友，以下第一段是你的 takeaway。 這是現場實况錄音，演出的是著名的帕高．潘尼亞佛朗明哥舞團（Paco Peña Flamenco Dance Company）。我聽過更澎湃的踏腳舞錄音，現場觀眾都聽不到那種打雷般效果；只有「地咪」檢拾得到（well，我還是喜歡人的 perspective）。我聽過不少佛朗明哥結他手的演奏，若跟帕高．潘尼亞比，他們的技藝流於粗糙。我聽過不少佛朗明哥的碟，音樂 authentic 有餘熟悉度不足；但這張 “Chopin and Flamenco” 由於用了人盡皆知的蕭邦旋律去做楔子，第一次聽便有親切感，又有 genres crossover 之妙趣。至於錄音，這斷然是我聽過最「兼具聽 live 真實感與發燒過癮感」的 Flamenco 專輯…

CD 盒是紙造的，它的背面印著紐約大都會歌劇院總經理 Peter Gelb 的一句話：戴維森（Lise Davidsen）是自 Flagstad 和 Nilsson 以來最偉大的（唱）華格納天才。 1987 年生於挪威的這位戲劇女高音是你不得不追蹤其動態的。 這場於 2023 年 9 月1 4 日舉行的獨唱會，展現了極具野心的多元曲目。音樂會以《為藝術，為愛情》拉開序幕，現場沒有管弦樂團，僅由一台鋼琴伴奏。鋼琴家拜略（James Baillieu）展現了頂尖藝術歌曲伴奏的功力，其琴音層次豐富，引領聽眾迅速融入音樂意境。戴維森表現令人驚喜，其唱法比預想的更為柔和內斂，在不同風格的曲目中展現了多變的藝術層次…

史麥塔納（Bedřich Smetana）親自 transcribe 的《我的祖國》（Má vlast）鋼琴四手聯彈版，受音樂界高度評價，被譽為 19 世紀家用二重奏的典範。 憑藉對鋼琴質感的深刻理解，史麥塔納在保留原管弦樂層次結構的同時，巧妙轉化為鋼琴獨有的親密感。透過細膩的音域配置，他成功避免了過度擁擠的和聲，使密集段落依然清晰不雜亂，最終創造出這部兼具藝術層次與炫技色彩的獨立作品。 捷克鋼琴家 Petr Jiříkovský 與 Daniel Wiesner 的 1995 年 Matouš 錄音，使用首版樂譜，被視為忠實還原作曲家原意的詮釋…

卡彭特（Cameron Carpenter）十年裏有三年在香港藝術節演出，是不是太頻密了？ 對於負責賣票的藝術節職員來說，也許是吧；但我半點不嫌。 國際評論家一致讚揚他的演奏技巧、想像力和創意，而許多偏保守的樂論人卻對他的詮釋有微言，說他的美學有時會將「效果」置於學術忠實之上（不過卡彭特明言「我不是巴赫的僱員」，志不在做一名 standard‑bearing recitalist）。總言之，他肯定是非傳統的風琴演奏家。個人不反對說卡彭特是個戲劇性的創新者，擴展了風琴音樂的觀眾群。“Niche”？是的，他的 niche 是原創性十足哩…

蘇聯小提琴家史尼特科夫斯基（Semyon Snitkovsky）出生於烏克蘭，擁有被奧伊斯特拉赫譽為「帕格尼尼之手」的巨大手掌與非凡技巧，完美融合了俄派歌唱性與充沛情感。雖被視為「俄國黃金時代最後的大師」，卻因「鐵幕」政策阻礙與 47 歲英年早逝，令其藝術成就長期被世人低估。吾友趙毅敏說得好：史尼特科夫斯基在生的時候是因為「鐵幕」而聽不到，現在是因為唱片供應的稀少和太貴（炒價）而聽不到！ 史尼特科夫斯基承襲了恩師奧伊斯特拉赫「小提琴是靈魂之鏡」的哲學，是一位具備深厚人文素養的藝術家…

1979 年的維也納新年音樂會被認為是一個分水嶺，無論是音樂上還是技術上。 那一年是博斯可夫斯基（Willi Boskovsky）最後一次領導這個音樂會，同時也是 Decca 唱片公司技術的里程碑：他們發行的第一個數碼錄音，兼且是音樂會現場實况。 然而年代久遠，連 Decca 公司裏的人都忘記了他們有一盤 1/4 吋模擬錄音母盤「壓倉」：同一個音樂會的…

無論是巴赫的無伴奏小提琴奏鳴曲和組曲，或帕格尼尼的 24 首隨想曲，都可以說是小提琴表演藝術的高峰。大師梅紐因（Y. Menuhin）曾明確稱兩者為小提琴的「舊約與新約」：巴赫 BWV 1001-1006 為「舊約」，帕格尼尼的 Opus 1 為「新約」。 巴赫作品被譽為基礎經典，展現多聲部對位與完整結構；帕格尼尼則推向極限技巧，如快速琶音與八度；也很考驗演奏者的樂感。 馬思聰大概是首位有紀錄可查的中國小提琴神童。之後，中國陸續產出這方面的人才。近代的，我即時想到兩位：金力和李傳韻。巧的是，廣州「太平洋影音」同時推出二人的錄音，金力拉舊約，李傳韻拉新約…

帕尼夫去年為 DGG 公司錄製的蕭邦 24 首前奏曲 Op.28（搭配史克里亞賓作品 11 號，也是廿四首前奏曲）獲得了普遍好評。評論界盛讚他清新、直覺敏銳、不落俗套卻又忠於原著精神的演譯，尤其強調他「毫不費勁的輕鬆」、「自然流暢的演奏方式」以及賦予經典作品全新生命力的本事，稱之為「純粹的魔力」。這對於如此受歡迎的作品來說，是一項罕見成就。他的表達方式親切而微妙，低吟淺唱，與那些表現方式更戲劇化的鋼琴家形成對比，使音樂具有深刻的個人色彩。 評論家也讚賞他獨特的音色。Shigeru Kawai SK-EX 三角琴增添了聲音深度，高音少些金屬味多些溫潤。DGG 先進的錄音技術很展現 Kawai 與（較常聽到的）Steinway 之間的細微差別…

李斯特的貝多芬交響曲改編版（S.464），發揮鋼琴獨奏的魅力，展現了原著管弦樂的細節，兼讓樂聖的交響曲得以在 19 世紀尋常百姓家奏響，提升了「貝響」在曲目中的核心地位。在今天，聽過它們的樂迷應該很多了；毋需怎樣介紹。 古爾德（Glenn Gould）早就錄過第五交響曲。卡察里斯（Cyprien Katsaris）是第一個錄製李斯特改編的貝多芬全部九首交響曲 piano 版本之鋼琴家，由 Teldec 發行全套唱片。這項雄心勃勃的計畫完美展現了李斯特忠實而又精湛的改編，也突顯了卡察里斯的卓越才華。論者說，後者將「李斯特版貝響」的演奏水平，提升到了超越「新奇作品」的高度

SOMM 唱片公司發行了新修復的齊格菲．華格納（Siegfried Wagner, 1869 - 1930）指揮其父李察．華格納（1813 - 1883）作品的錄音。曲目包括《萊茵的黃金》和《女武神》選段。此外，還有《帕西法爾》組曲（三段）；以及《唐豪瑟》、《羅恩格林》和《特里斯坦與伊索德》的選段。 這些錄音由「小」華格納指揮拜羅伊特音樂節樂團、柏林國家歌劇院樂團和倫敦交響樂團，錄製於 1925 年 4 月 - 電氣錄音技術問世後不久。長期從事音頻修復工作的施帕爾（Lani Spahr）對這些一個世紀前的錄音...

看了一個别開生面的莫扎特《魔笛》製作：美國編導穆尼（Nicholas Muni）為香港大歌劇院（Hong Kong Grand Opera）執導他改編的版本，將 18 世紀末的政治局勢移植到近未來：虛擬世界（夜之后的領域）和數碼世界（薩拉斯托的世界）發生衝突。 那是一個「未來」，但又不是很實在的未來，是一個「想像的未來」罷。所以整件事都是一個含糊的時空裏發生，例如角色穿著的是(類)古裝。這就是故事改編兼舞台導演穆尼的構想。負責佈景設計的賴妙芝，服裝設計的鄭運蓮，燈光設計蕭健邦和影像設計盧榮，齊配合之。我認為他們做得很稱職...

DG 4867471 文｜馮春木 Daniil Trifonov 的專輯《Tchaikovsky》是雙 CD，涵蓋柴可夫斯基早期鋼琴奏鳴曲（升 c 小調）、主題與變奏曲（F 大調）、M. Pletnev 編的《睡公主》音樂會組曲》（11 個芭蕾片段）及《兒童小曲冊》（Op. 39，全 24 首），總長 93 分鐘。節目聚焦作曲家的「私人維度」——青春回憶與內心世界。錄於麻省 Worcester 的 Mechanics Hall，David Frost 監製，音效細膩。 主題與變奏曲是「自 Op.19 六首鋼琴小品」，Trifonov 將主題處理得美，12 個 變奏活用鋼琴各樣色彩，輕鬆而生動，鮮明清晰一如他的拉赫曼尼諾夫錄音。緊隨其後的奏鳴曲，第三樂章借用第一交響曲素材，動態景觀豐富。Trifonov 展現漩渦般幻想和靈活詩意，造句聲樂化。第二樂章尤為精彩，彷彿魔法世界。終樂章戲劇性強。 在《睡公主》，Trifonov 是個一流敘事者，從《行板》的溫柔（T.28）、《銀仙子》（T.29）的晶瑩，到《穿靴貓與白貓》的機智（T.30）和《慢板》（T.

文｜劉志剛 卡彭特（Cameron Carpenter）的龐克頭、他的珠片衫，令他跟（往往是學者型的）別的管風琴演奏家看來十分不同。但骨子裏，他是巴赫時代的管風琴家。 此話怎說？那年頭，improvisation 能力是職業風琴家「綜合能力」的重要成分。年青巴赫是個 virtuoso，據記載，即興演奏出神入化。 知道有機會透過文字（不是面談）形式訪問卡彭特 - 一個不受約定俗成限制、也不自我設限的音樂家，筆者就想到用一般人（layman）角度去問，因為這樣才方便凸顯他的與別不同。 普通人會覺得管風琴是老八股樂器，會聯想到教堂裡的崇拜；或許也會知道音樂界有歷史鑑真（探究時期風格）風潮。總之，pipe organ 就是跟 pop 跟 rock 沾下上邊。 卡彭特已經是第二次應香港藝術節之邀，來為默片（黑白無聲電影）現場演奏。這事情本身沒有開創性，當年戲院上映默片，也是請樂手「即場配樂」的。卡彭特願意做這種「復古」事，本身就很有趣！ 以下是筆者與他的一問一答。不作修飾，直白翻譯，盡可能原汁原味。 問：在音樂詮釋中，你如何定義「忠於原譜」？作為一位傑出的

DG 4867411 文｜馮春木 Víkingur Ólafsson 的《Opus 109》concept album，以貝多芬鋼琴奏鳴曲 Op. 109 為核心，巧妙融入巴赫、舒伯特及貝多芬其他作品，探索複音對位與結構脈絡的共通性。這張 DG 專輯延續 Ólafsson 一貫的開創性，強調清晰、克制與建築般的精準，涵蓋巴赫《平均律鋼琴曲集》選段、第六號英國組曲 Sarabande、舒伯特奏鳴曲 D. 566；以及貝多芬兩首奏鳴曲（Op. 90 & 109）。 舒伯特部分旋律左手伴奏刻意滯後，營造歌唱感。可是貝多芬 Op. 90 第二樂章過快，忽略「不快且極歌唱」標記。他將巴赫片段安排在一首一尾，中間插入巴赫第六號帕蒂塔（全碟最長的一首曲），能強化連結。Ólafsson 的巴赫對位清晰，動態控制優雅，不會過度浪漫；只是 Corrente 與 Air 機械感強。 如謝明峰所言，找出脈絡神形傳續的相關作品後，要把整個脈絡呈現出來，就得削肉去骨重組肉身；Ólafsson 把功夫花在這裡。謝復認為，這版 Op. 109「很不貝多芬，很巴赫」。筆者欣賞第二

文｜劉志剛 17．11．2025 七年前，同樣是在中環大會堂，看鄧泰山的獨奏會。當年的他道法自然，渾然天成；因此，我將今年的 Pre-Concert 講座，命名「道法自然的音樂大師 - 鄧泰山」。 2025 年再看他，依然是一種抒情細膩、平實不矯飾、控制有方的演奏風格。不過前後有微妙的分別，就是技術的展露；從前是比較「藏鋒」的。拉威爾的《Miroirs》，我是讚嘆他厲害的控制力，多過留意意境描寫方面。不是說他不擅於勾勒曲意，只是技巧的施展，Wow… 這裏不打算逐首去評，反正無論彈佛瑞、拉威爾、蕭邦，鄧泰山都是將每個音符都打磨得圓潤通透，整體表現穩如泰山。洪思行說「《Miroirs》很炫技的技巧如輪指、掃琴，在他手中仿如食菜般簡單，毫不張揚。」；而「Chopin《降 b 小調諧謔曲》，開頭的 ff 彈出來...『就這樣？』，幾乎連 f 都無，明顯是一個藝術選擇，未必人人喜歡這個選擇，但其演譯既獨特又有技術含量，就像一位充滿歷練的大師。」 個人覺得鄧泰山 sheer volume 不大，他的「大聲」與「細聲」並沒有巨大幅度，可是弱音處理特別精妙，能在

文｜劉志剛 18．11．2025 在看罷鄧泰山鋼琴獨奏會之後，翌日又去睇鋼琴演出，這一場是四手聯彈，表演的是紀大衛（David Gwilt）和蔡麗安（Bonnie Choi）。兩位都是卓然有成的教育家，紀大衛更是很資深的行政人員，歷任許多公職，也是作曲家、樂評人，在港知名度甚高。在音樂會完結時，紀教授笑說：「不知多少年沒有公開彈琴演出了。 你們覺得 OK 嗎？」 十分 OK！紀大衛以 93 之齡，可以有當天的好表現，我是以洪荒之力鼓掌哩。 演出地點是中大的利希慎音樂廳。節目比較短，四首有兩首是法國作曲家的，一氣呵成不設中場休息。事實上，我們很缺乏專業級的鋼琴四手聯彈演奏會；這個 genre 又不是錄唱片的熱門範疇，因此，全晚曲目對觀眾都是很有新鮮感。 師生倆以莫扎特的 C 大調奏鳴曲 K.521 開始，首樂章明顯有二人不齊的情況，我心想：給你們些少熱身時間吧。 果然，第二樂章中板便漸入佳境，但要到終章，我才感受到曲趣。 之後的三首都予我很高的享受。這講法的背後，當然是傑出的表演默契。 德布西的《六首古代銘文》之緣起，竟關於一宗藝文界「騙案」：德布

文｜馮春木 據說 T. 羅斯福曾講過：「比較是快樂的竊賊」，這在大多數情況下或許不假；但對於我們這些熱愛古典音樂錄音的人來說，比較卻有著無窮的魅力——而且，在評論專輯時，比較也是 critique 方法的核心。 例如，兩位傑出的鋼琴家伊凡娜·嘉芙域和沈靖韜的新錄音，均灌錄了葛利格的《霍爾堡組曲》。二人的新專輯都各有主題，嘉芙域的是《回味舞步》（Throwback to Dance）而沈靖韜的是《時間線》（Timeline）。 《Throwback to Dance》Ivana Gavrić 葛利格研究過挪威作家 L. 霍爾堡（Ludvig Holberg, 1684-1754），並於 1884 年為慶祝霍爾堡誕辰 200 週年而創作了一部五樂章組曲。霍爾堡與 J.S. 巴赫大致是同時代的人，因此葛利格以那時代的巴洛克舞曲形式為靈感去寫。 《霍爾堡組曲》原作是鋼琴曲，弦樂團版本更著名，被認為是新古典主義風格的先驅之作：融合了 18 世紀巴羅克舞曲形式和 19 世紀浪漫主義和聲語言及旋律風格。效果是否真比 solo piano 版本吸引，見仁見智；但