Music

1970 年 5 月底，二十二歲的小提琴家鄭京和踏進倫敦京士威堂（Kingsway Hall），與指揮家普列文（André Previn）及倫敦交響樂團（LSO）合作錄製她的 Decca出道專輯。這張收錄了柴可夫斯基與西貝流士兩首協奏曲的唱片，日後被奉為古典樂壇的神話，而錄音現場實則是一場精心佈局的心理調適與個人意志的嚴苛考驗。 當時年輕且極度追求完美的鄭京和，內心承受著近乎窒息的焦慮與戰慄。這份恐懼主要源於對西貝流士協奏曲的極度不自信。鄭京和此前唯一的舞台實戰，極可能僅是在美國地方樂團或夏令營排演中完成的。自知經驗如此單薄卻要在頂級製作團隊面前 deliver，壓力當然巨大。她在錄音前夕展開了瘋狂的自我救贖：於倫敦私人住宅中與波蘭鋼琴家安德烈．柴可夫斯基（André Tchaikowsky）進行自虐式的密集排練（此幕亦被 MeloClassic 發掘的影像所證實），由對方模擬管弦樂織體，鄭京和則將自己的靈魂與肉體逼至極限...

文｜崔源 在二十世紀俄派提琴大師中，卡崗（Oleg Kagan）是個讓人痛惜的名字。身為奧伊斯特拉赫的得意門生，他 43 歲便因病早逝。筆者最初接觸卡崗那張的著名的《To The Memory Of David Oistrakh》現場錄音，當下便被他的琴音徹底吸引。卡崗從不靠張揚的聲量或炫技取勝，最迷人的是他那宛如人聲歌唱般（Cantabile）的圓潤音色。他的右手運弓綿密均勻，顫音極克制，拉出的線條通透而帶有優雅的詩意，聽過便難以忘懷。 這張最新reissue是現場錄音，紀錄了卡崗與鋼琴巨匠里赫特（Sviatoslav Richter）的巔峰默契。眾所周知，里赫特對合作夥伴挑剔至極，卻對卡崗的藝術造詣給予無條件的信任，視他為少數能完美對話的搭檔。專輯的前兩首作品為 1982 年在莫斯科普希金美術館「十二月之夜」錄製的莫札特第 26 號（降 B 大調，K. 378）及第 27 號（G 大調，K. 379）奏鳴曲，里赫特的琴音俐落精準，卡崗則以細膩流暢的歌唱線條回應，呈現出古典時期親密而優雅的對話。 而 1985 年在莫斯科音樂學院大廳現場錄製的蕭

這套十張 CD 合輯，旨在紀念傳奇的 1726 年史特拉迪瓦里大提琴 “The Marquis de Corberon” 問世三百週年。這把名琴自 2009 年起便由 Royal Academy of Music 借予大提琴家 Steven Isserlis 使用。[這位 Marquis（侯爵）是十八世紀文獻中最早擁有此提琴的貴族之一，他於法國大革命期間被斬首 ] 套裝收錄了 Steven Isserlis 在過去十多年來使用這把名琴為 Hyperion 唱片公司所錄製的九款備受讚譽的室樂與協奏曲專輯。收錄作品的年代跨度相當廣闊，涵蓋了從巴洛克時期直至二十一世紀的古典音樂。這些錄音又包含多位傑出的音樂合作夥伴，例如鋼琴家 Robert Levin、Dénes Várjon、Stephen Hough 與 Connie Shih，大鍵琴家 Richard Egarr，以及 Orchestra of the Age of Enlightenment 與 Mahler Chamber Orchestra…

Harmonia Mundi 剛推出梅耶（Emilie Mayer, 1812-1883）《管弦樂作品三部曲》第一輯。 梅耶生前成就斐然，曾獲王室榮譽，並贏得李斯特與姚阿幸（Joseph Joachim）等大師的敬重。她獲得「女貝多芬」的綽號，逝世時已被公認為德國最頂尖的交響曲作曲家之一。這張作為「頭炮」的專輯，由梅尼可夫（Alexander Melnikov）擔綱鋼琴獨奏，柏林古樂合奏團（Akademie für Alte Musik Berlin，簡稱 Akamus）以時代樂器演奏，不僅精采展現了作品精緻優雅與雄渾大氣的不同面貌，更是將梅耶作品推向古典音樂正典的關鍵錄音...

你隨便問一個電台聽眾是誰首唱了 "Tainted Love"，得到「Soft Cell」這個回答的機率極高。然而，資深的 Soul 樂迷會糾正：「其實，Gloria Jones 在 1964 年就先錄製了這首歌。」相同情況也發生在 "Hound Dog"（在 Elvis 之前有 Big Mama Thornton）以及 "I Will Always Love You"（在 Whitney Houston 之前有 Dolly Parton）上。流行音樂史充滿著許多傑出的原唱作品，但它們卻被預算高的翻唱版本完全掩蓋；後者不僅奪走了所有關注，甚至改寫了整個歷史敘事。 然而，極少有人意識到，古典音樂界在 1930 年代，也曾上演過完全相同的戲碼——其中包含了閃耀巨星的光環、唱片公司的耍心機策略，以及一個被世人遺忘的法國錄音...

內田光子對貝多芬最後三首鋼琴奏鳴曲（Op. 109、110 與 111）的詮釋，展現出從早年錄音室錄音到近期現場演出的二十年間令人著迷的演變過程。 她最初在 Philips Classics 的錄音以嚴謹的結構、客觀的清晰度，以及一種令人震撼且直接、具推推進力的能量著稱，並穩健地建構出無可撼動的建築式弧線。然而隨著時間推移，她的詮釋方式與其說是激進的轉變，不如說是一種深化、磨礪與軟化，融合成一種愈發自然、隨興、具彈性且溫暖的風格...

文｜馮春木 卡巴列夫斯基（Dmitri Kabalevsky） 的《C小調第二號大提琴協奏曲》是專為大提琴家 Daniil Shafran 所寫的作品，一改作曲家過往輕鬆愉快的風格，呈現出深沉且耐人尋味的氛圍。這1967 年錄音由作曲家親自指揮列寧格勒愛樂，在大提琴文獻中享有極高且具權威性的地位。 據傳在錄音期間，卡巴列夫斯基興奮地驚嘆：「太棒了！太壯麗了！我甚至認不出這是我自己的音樂！」他親自擔綱指揮的決定，更讓這錄音成為後人研究演出速度、樂句處理與強弱詮釋時最重要的核心參考依據。 樂評界一致同意 Shafran 的演譯扣人心弦。他最具代表性的強烈顫音、富有彈性的樂句詮釋，以及令人驚嘆的尤其是在速度極快的 Presto marcato 樂章與漫長的大段華彩樂段中的精湛技藝，皆被視為 20 世紀蘇聯大提琴演奏藝術的巔峰之作。 音樂學者與大提琴家更將此錄音視為解決 1966 年樂譜初版與後續修訂版本間差異的關鍵一手文獻，因為 Shafran 在錄音時對結構與弓法做了細微調整，且當場獲得了作曲家的認可。因此其歷史權威性毫無疑問。 錄音工程方面，樂評共

《Hans Zimmer Live in Prague》收錄了 Zimmer 十年前於布拉格 O2 體育館開展的首趟歐洲巡演盛況。此錄音作品除了締造極佳的市場票房，更在音樂評論、影音發燒媒體及電影配樂社群間，贏得全方位一致的高度推崇。在廣大音響發燒友社群中，它早已被公認為具備指標意義的測試級名盤。 這場演出可謂現代交響樂 cross-over 製作的極致典範，成功將傳統管弦樂團的典雅與體育館搖滾巨星秀的狂熱完美融合。Hans Zimmer 與擁有 72 位樂手的捷克國家交響樂團及合唱團同台獻藝，並流暢融入電結他、重低音合成器、電子打擊樂器與視覺衝擊力十足的舞台燈光，使整場音樂會自始至終充盈著如搖滾演唱會般的強勁能量與昂揚活力 ...

埃斯法哈尼（Mahan Esfahani）在 Hyperion 唱片公司錄製的 J.S. 巴赫《鍵盤協奏曲全集》亮點紛呈，其中包括充滿活力的樂器間互動與現代感。整套 2-CD 演譯精彩，極具臨場感與生命力。 埃斯法哈尼與布列頓小交響樂團（Britten Sinfonia）合作，在演奏中用了帶有揉弦技巧的現代弦樂、長笛及雙簧管；他摒棄了拘泥於「本真演奏」的教條主義。弦樂聲部絕無從屬之感，從而使鍵盤樂器與樂團之間建立起一種平衡且互動的對話關係；協同迸發的想像力令人嘆服。視角是充滿活力的公開對話，而不是博物館的陳列品。 這張專輯的兩大亮點，是收錄了 A 小調三重協奏曲（BWV 1044）與及 D 小調第八號協奏曲...

假如閣下是對音樂不求甚解的發燒友，以下第一段是你的 takeaway。 這是現場實况錄音，演出的是著名的帕高．潘尼亞佛朗明哥舞團（Paco Peña Flamenco Dance Company）。我聽過更澎湃的踏腳舞錄音，現場觀眾都聽不到那種打雷般效果；只有「地咪」檢拾得到（well，我還是喜歡人的 perspective）。我聽過不少佛朗明哥結他手的演奏，若跟帕高．潘尼亞比，他們的技藝流於粗糙。我聽過不少佛朗明哥的碟，音樂 authentic 有餘熟悉度不足；但這張 “Chopin and Flamenco” 由於用了人盡皆知的蕭邦旋律去做楔子，第一次聽便有親切感，又有 genres crossover 之妙趣。至於錄音，這斷然是我聽過最「兼具聽 live 真實感與發燒過癮感」的 Flamenco 專輯…

CD 盒是紙造的，它的背面印著紐約大都會歌劇院總經理 Peter Gelb 的一句話：戴維森（Lise Davidsen）是自 Flagstad 和 Nilsson 以來最偉大的（唱）華格納天才。 1987 年生於挪威的這位戲劇女高音是你不得不追蹤其動態的。 這場於 2023 年 9 月1 4 日舉行的獨唱會，展現了極具野心的多元曲目。音樂會以《為藝術，為愛情》拉開序幕，現場沒有管弦樂團，僅由一台鋼琴伴奏。鋼琴家拜略（James Baillieu）展現了頂尖藝術歌曲伴奏的功力，其琴音層次豐富，引領聽眾迅速融入音樂意境。戴維森表現令人驚喜，其唱法比預想的更為柔和內斂，在不同風格的曲目中展現了多變的藝術層次…

史麥塔納（Bedřich Smetana）親自 transcribe 的《我的祖國》（Má vlast）鋼琴四手聯彈版，受音樂界高度評價，被譽為 19 世紀家用二重奏的典範。 憑藉對鋼琴質感的深刻理解，史麥塔納在保留原管弦樂層次結構的同時，巧妙轉化為鋼琴獨有的親密感。透過細膩的音域配置，他成功避免了過度擁擠的和聲，使密集段落依然清晰不雜亂，最終創造出這部兼具藝術層次與炫技色彩的獨立作品。 捷克鋼琴家 Petr Jiříkovský 與 Daniel Wiesner 的 1995 年 Matouš 錄音，使用首版樂譜，被視為忠實還原作曲家原意的詮釋…

卡彭特（Cameron Carpenter）十年裏有三年在香港藝術節演出，是不是太頻密了？ 對於負責賣票的藝術節職員來說，也許是吧；但我半點不嫌。 國際評論家一致讚揚他的演奏技巧、想像力和創意，而許多偏保守的樂論人卻對他的詮釋有微言，說他的美學有時會將「效果」置於學術忠實之上（不過卡彭特明言「我不是巴赫的僱員」，志不在做一名 standard‑bearing recitalist）。總言之，他肯定是非傳統的風琴演奏家。個人不反對說卡彭特是個戲劇性的創新者，擴展了風琴音樂的觀眾群。“Niche”？是的，他的 niche 是原創性十足哩…

蘇聯小提琴家史尼特科夫斯基（Semyon Snitkovsky）出生於烏克蘭，擁有被奧伊斯特拉赫譽為「帕格尼尼之手」的巨大手掌與非凡技巧，完美融合了俄派歌唱性與充沛情感。雖被視為「俄國黃金時代最後的大師」，卻因「鐵幕」政策阻礙與 47 歲英年早逝，令其藝術成就長期被世人低估。吾友趙毅敏說得好：史尼特科夫斯基在生的時候是因為「鐵幕」而聽不到，現在是因為唱片供應的稀少和太貴（炒價）而聽不到！ 史尼特科夫斯基承襲了恩師奧伊斯特拉赫「小提琴是靈魂之鏡」的哲學，是一位具備深厚人文素養的藝術家…

1979 年的維也納新年音樂會被認為是一個分水嶺，無論是音樂上還是技術上。 那一年是博斯可夫斯基（Willi Boskovsky）最後一次領導這個音樂會，同時也是 Decca 唱片公司技術的里程碑：他們發行的第一個數碼錄音，兼且是音樂會現場實况。 然而年代久遠，連 Decca 公司裏的人都忘記了他們有一盤 1/4 吋模擬錄音母盤「壓倉」：同一個音樂會的…

無論是巴赫的無伴奏小提琴奏鳴曲和組曲，或帕格尼尼的 24 首隨想曲，都可以說是小提琴表演藝術的高峰。大師梅紐因（Y. Menuhin）曾明確稱兩者為小提琴的「舊約與新約」：巴赫 BWV 1001-1006 為「舊約」，帕格尼尼的 Opus 1 為「新約」。 巴赫作品被譽為基礎經典，展現多聲部對位與完整結構；帕格尼尼則推向極限技巧，如快速琶音與八度；也很考驗演奏者的樂感。 馬思聰大概是首位有紀錄可查的中國小提琴神童。之後，中國陸續產出這方面的人才。近代的，我即時想到兩位：金力和李傳韻。巧的是，廣州「太平洋影音」同時推出二人的錄音，金力拉舊約，李傳韻拉新約…

帕尼夫去年為 DGG 公司錄製的蕭邦 24 首前奏曲 Op.28（搭配史克里亞賓作品 11 號，也是廿四首前奏曲）獲得了普遍好評。評論界盛讚他清新、直覺敏銳、不落俗套卻又忠於原著精神的演譯，尤其強調他「毫不費勁的輕鬆」、「自然流暢的演奏方式」以及賦予經典作品全新生命力的本事，稱之為「純粹的魔力」。這對於如此受歡迎的作品來說，是一項罕見成就。他的表達方式親切而微妙，低吟淺唱，與那些表現方式更戲劇化的鋼琴家形成對比，使音樂具有深刻的個人色彩。 評論家也讚賞他獨特的音色。Shigeru Kawai SK-EX 三角琴增添了聲音深度，高音少些金屬味多些溫潤。DGG 先進的錄音技術很展現 Kawai 與（較常聽到的）Steinway 之間的細微差別…

李斯特的貝多芬交響曲改編版（S.464），發揮鋼琴獨奏的魅力，展現了原著管弦樂的細節，兼讓樂聖的交響曲得以在 19 世紀尋常百姓家奏響，提升了「貝響」在曲目中的核心地位。在今天，聽過它們的樂迷應該很多了；毋需怎樣介紹。 古爾德（Glenn Gould）早就錄過第五交響曲。卡察里斯（Cyprien Katsaris）是第一個錄製李斯特改編的貝多芬全部九首交響曲 piano 版本之鋼琴家，由 Teldec 發行全套唱片。這項雄心勃勃的計畫完美展現了李斯特忠實而又精湛的改編，也突顯了卡察里斯的卓越才華。論者說，後者將「李斯特版貝響」的演奏水平，提升到了超越「新奇作品」的高度

SOMM 唱片公司發行了新修復的齊格菲．華格納（Siegfried Wagner, 1869 - 1930）指揮其父李察．華格納（1813 - 1883）作品的錄音。曲目包括《萊茵的黃金》和《女武神》選段。此外，還有《帕西法爾》組曲（三段）；以及《唐豪瑟》、《羅恩格林》和《特里斯坦與伊索德》的選段。 這些錄音由「小」華格納指揮拜羅伊特音樂節樂團、柏林國家歌劇院樂團和倫敦交響樂團，錄製於 1925 年 4 月 - 電氣錄音技術問世後不久。長期從事音頻修復工作的施帕爾（Lani Spahr）對這些一個世紀前的錄音...

看了一個别開生面的莫扎特《魔笛》製作：美國編導穆尼（Nicholas Muni）為香港大歌劇院（Hong Kong Grand Opera）執導他改編的版本，將 18 世紀末的政治局勢移植到近未來：虛擬世界（夜之后的領域）和數碼世界（薩拉斯托的世界）發生衝突。 那是一個「未來」，但又不是很實在的未來，是一個「想像的未來」罷。所以整件事都是一個含糊的時空裏發生，例如角色穿著的是(類)古裝。這就是故事改編兼舞台導演穆尼的構想。負責佈景設計的賴妙芝，服裝設計的鄭運蓮，燈光設計蕭健邦和影像設計盧榮，齊配合之。我認為他們做得很稱職...